Welkom Bezoeker

Muset wil door haar activiteiten kinderen en volwassenen interesseren voor de verschillende kunstdisciplines en de diverse facetten. Door het plaatsen van deze weblog wil Muset de aandacht vestigen op Kunst & Cultuur in de breedste zin van het woord. De informatie kan gaan over bekende en minder bekende kunstenaars, afficheontwerpers, design, poëzie, schrijvers. Kunst op postkaart, posters, tweedehands boeken beeldende kunst en originele kunst is te vinden in de Art Gallery van Muset www.postersquare.com

Meer aandacht voor kunstenaars, illustrators, designers brengt De Kaartenkoerier. Kunst op de Postkaart is een belangrijke insteek om op eenvoudige wijze kunst te promoten.


KUNST GEEFT NIET ZICHTBAAR WEER, MAAR MAAKT ZICHTBAAR (Paul Klee)



zondag 29 april 2018

POPPENSPEL BIJZONDERE DISCIPLINE OP THEATERPODIUM


Verhalen en gebeurtenissen verteld en uitgebeeld door poppen biedt de mogelijkheid het bereikbaar te maken aan een groot publiek. Door de eeuwen heen is dat altijd zo geweest. Poppenspelen bestaan al duizenden jaren en werden gebruikt om oude overleveringen en religieuze geschriften begrijpelijk te maken aan het publiek. Poppen hadden een educatieve functie. Ze brachten levenslessen en religieuze voorschriften aan de toeschouwers over.



Oermens als poppenmens
Culturen van poppenspelen bestaan overal op de wereld. De oudste bekende vorm ontstond waarschijnlijk in India. Echter ook in andere delen van de wereld ontwikkelde zich een poppencultuur. Rond de negende eeuw na Christus ontstonden Wayangpoppen in Indonesië. Deze poppenfiguren speelden in schaduwspelen religieuze en epische verhalen. Hopi-Indianen in Amerika hadden een poppencultuur, lang voordat de Europeanen in hun gebied arriveerden.

Poppen als mens
Door de pop op een mens te laten lijken, konden ze in deze vorm verhalen vertellen en gebeurtenissen uitbeelden. Een effectieve bijdrage in de poppencultuur was dat eenvoudige poppen marionetten werden met bewegende ledematen en gezichtsuitdrukking. Mens als pop of pop als mens. Marionetten verschenen waarschijnlijk voor het eerst in de vijfde eeuw voor Christus in Griekenland


Hopi-Mask - Wayangpop - Oude Marionetten 

Immaterieel Erfgoed
Wereldwijd hebben drie verschillende poppenculturen de status van Immaterieel Erfgoed, verleend door UNESCO. Naast de Javaanse Wayang en Japanse Bunraku staan de Italiaanse Marionetten op deze lijst. Binnen Europa is de Italiaanse Poppencultuur het bekendst. Op Sicilië ontstond deze cultuur onder invloed van de Rooms-Katholieke moraliteitsspelen. Doel van deze opvoeringen was het overbrengen van goed gedrag


 
Ridder Silezië - Bunraku Figuur

Poppen niet voor kinderen 
De realisatie van de poppen waren stuk voor stuk  resultaat van intensief handwerk en vaak kwetsbaar. Volledige opera’s werden opgevoerd door poppen. De marionettencultuur bereikte haar hoogtepunt in de achttiende eeuw. Marionetten en poppen werden net zo belangrijk als acteurs. Er heerste een overtuiging dat de menselijke acteur kon worden vervangen door poppen. In tegenstelling tot acteurs konden poppen bijvoorbeeld zonder problemen religieuze kleding dragen. Via de pop/marionet kon de poppenspeler gewaagde uitspraken doen. Goed bespeelde poppen hadden geen tekortkomingen.




Pinokkio
In de Italiaanse cultuur namen marionetten en poppen een belangrijke plaats in. Colledi schreef van af 1883 de bekende verhalen over Pinokkio. De verhalen waren een ode aan de Italiaanse cultuur en menigmaal opgevoerd in het poppentheater. Het hield de traditionele gedachte over goed gedrag in stand. Zijn verhalen maakten dat bereik- en herkenbaar aan kinderen en volwassenen.
In de tijd van Pinokkio was de Europese poppencultuur al over haar hoogtepunt heen. Poppen dolven het onderspit ten opzichte van acteurs. Pop en Marionet verdwenen naar kermissen en verloren de status en glans van de oude poppenopera’s.


   
Pinokkio - Italiaanse Pop - Pulcinella

Concurrentie
In de twintigste eeuw kregen de poppentheaters concurrente van de nieuwe media film, radio en later televisie.  Vertoningen van poppenspelen leken achterhaald in een tijd waarin filmbeelden, weliswaar in een geheel andere vorm, de kijkers verhalen kon vertellen en beelden liet zien in velerlei variaties.
Toch bleven de echte poppenspelers aan de slag. Eén van hen is Jim Henson. Hij was vastbesloten marionetten- en poppenshows te maken voor een groot publiek. Hij creëerde in de jaren zestig de Muppets, een samentrekking van de woorden Marionetten en Puppets. Zijn ideaal  was met zijn Muppets een televisieprogramma te maken en de poppen te verbinden met kinderen en volwassenen. Met zijn Muppet Show is hij daarin wonderwel geslaagd.



Poppencultuur blijft in beweging
Ondanks mindere jaren zijn poppen en marionetten nooit verdwenen. Zo bleken film en televisie geen gevaarlijke concurrenten. Henson toont dit aan door zijn eigen kunstvorm te mengen met massamedia. Zoals andere kunstvormen zich mee veranderen in de ontwikkelingen en invloeden van de tijd, geldt dit eveneens voor het poppentheater.
Poppenspelers blijven bestaan en doorgaan. Er is nog altijd publiek voor deze geliefde kunstvorm. Als de poppenspeler de poppen, objecten en figuren goed weet te bespelen, verliest het poppenspel geen terrein aan moderner vermaak.



Informatiebron; Isgeschiedenis.nl   

For Sale grote collectie Postcards met Poppentheater

zaterdag 21 april 2018

Fresco’s als muurschilderingen Kerkkunst


Vroegchristelijke kunst of Paleochristelijke kunst is de kunst die door christenen werd gemaakt of onder christelijke patronage, van de beginperiode van het christendom tot 525. In de praktijk betekent dit vanaf de 2e eeuw. Na 550 wordt de christelijke kunst geclassificeerd als Byzantijnse kunst De vroegchristelijke kunst was voornamelijk beïnvloed door de Romeinse Kunst
Fransesco d' Assisi (Oudste portret Sacro Speco)
Het leven en de kunst van de vroege christenen wordt vooral weergegeven in een rijke en afwisselende hoeveelheid archeologische vondsten uit het hele Romeinse Rijk: beelden, tombes, fresco’s, gebruiksvoorwerpen, sieraden, munten, speelgoed en kleine persoonlijke eigendommen welke zijn aangetroffen in de catacomben die normaal gesproken dienden als grafkelders, maar waar tijdens de vervolgingen de ondergedoken christenen wel samenkwamen.
Ark van Noach

Een voorbeeld van de vroegchristelijke schilderkunst zijn de fresco's in grafkelders. De christenen wilden in die tijd niet begraven worden met heidenen en zorgden ervoor dat hun grafkelders of catacomben versierd waren met christelijke taferelen. Zij geloofden in de redding in het hiernamaals en dit geloof werd de essentie van de vroegchristelijke grafkunst. Christus werd op fresco’s vaak afgebeeld als de Goede Herder. Ook op details van sarcofagen keert dit  thema vaak weer.
De vroegste vorm van fresco was te vinden op Kreta. Van daar uit verspreidde de techniek zich onder meer naar het Oude Egypte.


Bezoekers Synagoge

One Card Selling - Religie
www.postersquare.com 
Kaartenwinkel en Poster Art Gallery van Muset


zaterdag 14 april 2018

CHRISTELIJKE KUNST IN MOZAIEK


Vlakversiering die bestaat uit een groot aantal kleine, ingelegde stukjes gekleurd glas, steen of ander geschikt materiaal in een bed van cement samengevoegd. Mozaïeken werden vooral in de Romeinse tijd en de vroeg-christelijke periode veel toegepast ter versiering van vloeren, muren (zowel binnen als buiten) en plafonds.


Zondvloed (Baseliek San Marco)

Geschiedenis

Omstreeks 3000 vC kende men in Oeroek (het tegenwoordige Warka, Irak, of bijbelse Erech) in Soemerië een decoratietechniek die nauw aan het mozaïek verwant was. Men versierde de muren en zuilen van paleizen door kleistaafjes, waarvan de bovenkant beschilderd (in rood, zwart en wit) en gebakken werd, in een natte laag leem te drukken, zodat er allerlei decoratieve patronen (vooral de zigzag) ontstonden. Dergelijke inlegtechnieken waren bij meerdere oude culturen bekend, onder andere in het precolumbiaanse Amerika, waar de Maya's met mozaïek decoreerden.




    

Ark van Noach (San Marco)

De Egyptenaren kenden een simpele vorm van  glasmozaïek, zoals bijv. in de tempel van Ramses II (1290-1224 vC) in Heliopolis te zien is. In Olynthos (5e eeuw vC) en Pella (4e eeuw vC), beide gelegen in Macedonië, maakte men mozaïeken van 
gepolijste kiezelstenen.

In de Romeinse tijd werd het mozaïek tot bloei gebracht en ontwikkelden zich verschillende technieken. Op de vloeren maakte men hoofdzakelijk mozaïeken in zwart-wit, maar ook wel in kleur. Een beroemd gekleurd  vloermozaïek is het Alexandermozaïek (75 nC) uit Pompeij (Huis van de Faun). Het heeft het gevecht tussen Alexander de Grote  en Darius in de slag bij Issus (333 vC) tot onderwerp en werd waarschijnlijk gemaakt naar een schilderij uit ca 300 v.C.  


De Schepping (San Marco)

Ook in de vroeg-christelijke periode werden veel mozaïeken gemaakt; uit deze tijd dateren de eerste geschreven bronnen, o.a. een edict van Diocletianus betreffende het mozaïek maken. Men ging de kerken op grote schaal decoreren met mozaïeken van religieuze voorstellingen; de kleuren waren intens en vooral goud werd veel gebruikt om de heiligen een bovennatuurlijke achtergrond te geven.

In het Oost-Romeinse Rijk was een zelfde ontwikkeling gaande, al zijn er als gevolg van het iconoclasme(de beeldenstorm in het Byzantijnse Rijk in de 8e en eerste helft 9e eeuw) weinig vroeg-christelijke mozaïeken bewaard gebleven.


           


















Schepping Adam en Eva

In de wereld van de islam werd het mozaïek veel toegepast; in de moskeeën werkten vooral Griekse mozaïekmakers. Omdat het geloof de afbeelding van de menselijke figuur verbood, werkten zij decoratief. Vooral een gestileerd plantenmotief kwam veel voor. De overheersende kleuren waren goud, blauw en groen. Beroemd zijn o.m. de mozaïeken in de Koepel van de Rots in Jeruzalem (ca 690) en in de Omajjadenmoskee te Damascus (ca 700).

Na een terugval van de mozaïekkunst in het westen, veroorzaakt door binnenvallende barbaren, werden er tijdens de Karolingische renaissance weer mozaïeken gemaakt. In het oosten bereikte de mozaïekkunst na het iconclasme een periode van grote opbloei (tweede helft 9e tot 11e eeuw).



 L' Eglise Carolingienne la plus Ancienne

Germigny-des-pres (Loiret) Jaar 806

De mooiste voorbeelden uit de 11e eeuw zijn de mozaïeken in de kloosterkerk van Daphni (bij Athene) en Hosios Lucas in Phocis, eveneens in Griekenland. Men trok het hele interieur van een kerk samen in één groot decoratieschema, waarbij de belangrijkste figuren steeds op de hoogste plaatsen kwamen. Het exterieur bleef onversierd. Verhalende scènes werden vrijwel nooit afgebeeld; dat gebeurde pas in de Byzantijnse kerken uit de 12e tot 14e eeuw, toen episoden uit het leven van Christus (vooral geboorte, doop en kruisiging) en dat van Maria werden afgebeeld, bij voorkeur in de narthex.



Transport of Saint Marcus (San Marco)

Met de kruistochten verspreidde ook de mozaïekkunst zich over geheelEuropa; een der mooiste voorbeelden, daterend uit de 12e-14e eeuw, is de S. Marco in Venetië.

BRON: Kunstbus 


Kerkkunst in Mozaiek op Postkaart (afbeeldingen S. Marco)

donderdag 5 april 2018

Textiele Werken from well-known Polish artist

RUIMTEZICHT ROOD EN BRUIN

Elzbieta (Lalka) Terlikowska woont en werkt in Wroclaw (Polen). De kunstenares is schilderes, decorontwerpster en maakt theaterkostuums.

 Posters en boeken komen eveneens van haar hand. In 1974 studeerde Elizabeth af aan de Faculteit Industrieel Ontwerp van de Academie voor Schone Kunsten in Wroclaw. Haar diploma schilderkunst behaalde ze in het atelier van professor Józef Halas.
Haar debuut maakt ze in 1986 als podium- en kostuumontwerpster in het muziekdrama ‘’The New Deliverance’’ (Witkiewicz). Ze presenteerde zich in verschillend (solo)tentoonstellingen en werkte als scenograaf voor de televisie. Twee keer was zij winnaar van het Gouden Masker voor haar presentaties van *Prinses Turandot* en *In 80 dagen rond de wereld*.

In het maken van de kostuums drukt Terlikowska haar passie voor deze kunstvorm uit en laat in het werk ongebreidelde fantasie zien waar verbazingwekkende details niet aan ontbreken .
Haar favoriete kleur is rood, zwart en goud. Toegevoegde elementen en objectjes in haar kostuums/kunstwerken vindt zij door het afstruinen van talloze vlooienmarkten en winkeltjes in antiek. Haar theatrale kunstuitingen zijn een verrassing voor de toeschouwer.

Zowel in Polen als daarbuiten mocht Terlikowska verschillende awards in ontvangst nemen.
Titel: Ruimtezicht 01 en Ruimtezicht 02
Kunstenares: Elzbieta Terlikowska
Materiaal Textiel (stof), gemengde techniek, afm. rode doek 57 x 56 en bruine doek 51 x53. Omlijsting goudkleurig hout door kunstenares zelf toegevoegd.

Online bestellen in de Art Gallery van Muset 

Originele Kunst

zondag 1 april 2018

Michael Sowa meest bekende kunstenaar in Duitsland


Michael Sowa (1945) is een Duitse kunstenaar die vooral bekend is vanwege zijn schilderijen met een afwisselend grillig, surrealistisch stijl die een wonderlijke uitstraling hebben. Sowa studeerde zeven jaar aan de Staatsschool voor Schone Kunsten in Berlijn en werkte kort als kunstdocent, voordat hij zich volledig toelegde op zijn carrière als schilder en illustrator.


 Kort voor het feest

Sowa wordt duidelijk beïnvloed door de logica-plagerige nevenschikkingen van Rene Magritte, waaraan hij affectie toevoegt aan charmant geschilderde kinderboekscènes en een beetje popcultuur.

Zijn schilderijen bevatten vaak  afbeeldingen van Engelse en Duitse dieren met merkwaardige titels. De kunstenaar creëert een wereld waar giraffen kanotochten maken, konijnen rijden in treinen, sushi in de oceaan zwemmen, mannen olifanten ter grootte van een hond nemen, verjaardagstaarten worden gelanceerd als katapulten en spelen neushoorns de bazuin. Oh ja, ... zwijnen vliegen.









Uil                                                                                                            Man, vis, tafel

Van zijn hand komen veelvuldig boekillustraties zoals het boek met 50 schilderijen getiteld Sowa’s Ark. An Enchanted Bestiary met de uitingen van sowa werd gepubliceerd in 1996. Hij verzorgde illustraties voor de boeken van de schrijvers Esterhazy The Rabbit Prince van de auteurs  Irene Dische en Hans M. Enzensberger. Van zijn hand verschenen eveneens prachtige illustraties The Little King December en A Bear Called Sunday. Beide boeken werden geschreven door Axel Hacke. In 1995 ontving Michael Sowa de Olaf-Gulbransson-Preis. Met de  Berlin Bookprice in de categorie Kinderboeken voor 'Prinz Tamino' werd hij onderscheiden in 2004


 Blazer

Hij was de coverartiest voor verschillende albums, waaronder Mad Season van Matchbox Twenty en twee covers voor The Beautiful South's Miaow en voor hun single 'Everybody's Talkin'. "
Veel nieuwe aanhangers verwierf hij voor zijn opvallende werk in de film Amélie uit 2001, waarin zijn kunst op muren tot leven wordt gebracht.

Sowa leverde tekeningen aan het satirische Duitse tijdschrift Titanic. Zijn kunstwerken verschenen op de omslagen van verschillende bekende tijdschriften., Zo trok de uitgave op de The New Yorker van 2 december 2002 veel aandacht.


Het gesprek

Werk van de kunstenaar is te vinden in het Wilhelm-Busch-Museum Hannover, in de Kunsthalle Oldenburg, in het Liebenweintrum in Burghausen. De kunstenaar/ illustrator geniet internationale belangstelling maar vooral in Japan worden de kunstwerken van Michael Sowa zeer gewaardeerd en herhaaldelijk geëxposeerd.





Michael Sowa behoort tot de meest bekende illustratoren in Duitsland. Zijn kunst is op grote schaal verkrijgbaar als posters, notecards, kunstkaarten en kalenders


POSTERSQUARE kAARTENWINKEL EN ART GALLERY VAN MUSET

zaterdag 17 maart 2018

RENOIR FRANSE IMPRESSIONISTISCHE KUNSTSCHILDER


Frans kunstschilder en Beeldhouwer, geboren Limoges 25 februari 1841, gestorven Cagnes 3 december 1919.


Pierre-Auguste Renoir was een impressionistische schilder wiens oog voor schoonheid hem tot een van de populairste beoefenaars van de beweging maakte. Hij is vooral bekend om zijn schilderijen van de bruisende Parijse moderniteit en vrije tijd in de laatste drie decennia van de negentiende eeuw. Hoewel gevierd als een colorist met een scherp oog voor het vastleggen van de beweging van licht en schaduw, begon Renoir met het verkennen van de Renaissance-schilderkunst in het midden van zijn carrière, waardoor hij meer lijn en compositie in zijn volwassen werken integreerde en enkele van zijn tijdperken creëerde in de meest tijdloze doeken.

Van 1854-1858 op dertienjarige leeftijd volgde hij een opleiding als porseleinschilder in een porseleinfabriek in Parijs, met het schilderen van bloemen op serviesgoed, later beschilderde hij ook waaiers en kamerschermen. Samen met Monet kwam hij vanaf 1861 als leerling terecht in de studio van Charles Gleyre (1808-1874) in Parijs. Van april 1862-64 studeert Renoir tegelijkertijd aan de Ecole des Beaux Arts.



Renoir werkte samen met Claude Monet en was essentieel in de ontwikkeling van de impressionistische stijl in de late jaren 1860, maar er is een onmiskenbaar menselijk element in zijn werk dat hem onderscheidt. Renoir had een briljant oog voor zowel intieme huiselijkheid als de mode van de dag. Zijn beelden van familierelaties en goedgeklede Parijse plezierzoekers creëerden een brug van de meer experimentele doelstellingen van het impressionisme naar een modern kunstpubliek uit de middenklasse.
Renoir was de eerste impressionist die de potentiële beperkingen van een kunst waarnam die voornamelijk was gebaseerd op optische sensatie en lichteffecten. Hoewel zijn ontdekkingen op dit gebied altijd een integraal onderdeel van zijn kunst zouden blijven, bevestigde hij de noodzaak van compositie en onderliggende structuur in de moderne schilderkunst, waarbij hij in zijn volwassen werk een gestructureerde, monumentale stijl tot stand bracht die de sterke punten van de kunst uit de Hoge Renaissance erkende.

















     



Het voorbeeld van Renoir werd onmisbaar voor de grote Franse bewegingen van het hoge modernisme: het fauvisme en het kubisme. Net als Renoir concentreerden de voorlopers van deze stijlen zich op kwesties als kleur, compositie en diepte in plaats van snelle schetsen van individuele momenten. Zijn gecomponeerde, levendige schilderijen creëerden een vitale brug van vroegere coloristen als Raphael, Peter Paul Rubens, Jean-Antoine Watteau en Eugène Delacroix tot de twintigste-eeuwse reuzen Henri Matisse en Pablo Picasso.

Renoir heeft een enorme productie in zijn 78-jarig leven tot stand gebracht: meer dan zesduizend schilderijen staan op zijn naam!

KAARTENWINKEL & POSTERS

vrijdag 9 maart 2018

POSTER ART VAN ANDRZEJ KLIMOWSKI


Andrzej Klimowski - Designer, illustrator. Geboren in 1949 in het Verenigd Koningkrijk (UK)
In 1949 geboren van Poolse ouders in Londen, werd Klimowski opgeleid aan de Saint Martin's School of Art voor studeren aan de Academie voor Schone Kunsten en professioneel werken in Warschau. Zijn nalatenschap van de Oost-Europese invloeden  zit diep geworteld in Klimowski’s werk.


Boze Geesten

Vanaf de late jaren 1970 tot op heden ontwerpt Klimkowski posters en boekomslagen en illustraties, TV afbeeldingen en animatie met duidelijke invloeden van de 'Pools School' op zijn ontwerpen. Het surrealisme, de Dada en expressionisme zijn deels een inspiratiebron voor het werk van Klimowski, maar hij heeft een herkenbare  eigen persoonlijke stijl met een combinatie van fantasie, angst, ambiguïteit en erotiek, die zich steeds verder ontwikkelden en interesse  opwekken voor zijn werken


Andrzej Klimowski's professionele activiteit als illustrator en grafisch kunstenaar is altijd gericht geweest op  persoonlijke experimentele inzet op zijn werk in fotografie, schilderkunst en grafiek.

In zijn vroege carrière beïnvloedde werk in de fotografische doka en in zeefdruk zijn benadering van fotomontage en collages, die hij verder ontwikkelde in boekomslagen, poster- en platenhoezen, evenals in pers- en tijdschriftillustraties. Het leidde ook tot experimentele films en bewegende graphics (filmtitels) voor tv. Zijn belangrijkste klanten zijn altijd in de culturele sector geweest (theaters, filmdistributeurs, tv, boekenuitgevers, de nationale pers en de muziekindustrie). Onderwerp is literair geweest.



Meer recent heeft hij zich gericht op het vertellen van verhalen. Faber & Faber, voor wie hij in de loop van de jaren vele covers ontwierp in samenwerking met Pentagram Design, begonnen zijn eigen boeken te publiceren (The Depository, 1994, The Secret, 2002 en Horace Dorlan, 2007). Paradoxaal genoeg is de digitale technologie snel aan het groeien, zijn productiemethoden hebben vereenvoudiging ondergaan die op de verbeelding en het understatement berust.

Hij is op tekenen overgegaan met inkt en heeft linoleesprints gemaakt. De eerste boeken waren volledig gebaseerd op foto's, terwijl de laatste boeken tekst en beeld combineerden, wat de psychische toestand van de hoofdpersoon weerspiegelt. Hij heeft ook samengewerkt met Danusia Schejbal om moderne klassiekers aan te passen in een grafische romanvorm (De meester en Margarita van Michail Boelgakov en Dr. Jekyll en de heer Hyde van Robert Louis Stevenson), beide uitgegeven door SelfMade Hero en vertaald in vele talen.



Zijn interesse in film blijft zijn verhalende werken beïnvloeden. In 2006 regisseerde hij een korte film, The Sphinx, waarin animatie en live-actietechnieken werden 
gecombineerd. De Irish Film Board, die ook een film produceerde op basis van zijn eerste boek The Depository, financierde de film.



Tussen 1987 en 2009 werkte hij als externe examinator voor Gwent College of Art in Newport, BA Illustratie; John Moores University in Liverpool, BA Animation; Brighton University, BA Illustratie; Canterbury College of Art (KIAD), BA Printmaking; ESAG (Ecole Supérieure d'Arts Graphiques) in Parijs, diploma in Art & Design; Glasgow School of Art, BA Illustratie; Falmouth School of Art, MA Illustratie - auteurspraktijk; Dundee University (Duncan of Jordanstone College of Art), BA Illustratie; Academie voor Schone Kunsten in Warschau, PhD. Met zijn aparte, grafische stijl trekt de illustrator Klimowski in het creëren van krachtige en provocerende beelden gedurende meerdere decennia de aandacht.

POSTER ART POLEN INTERNATIONAAL